芭蕾舞的艺术结构

舞蹈演员在音乐伴奏下穿着戏服表演的戏剧。它起源于文艺复兴时期的意大利，传播到法国并得到了很大的发展。法国芭蕾舞的原始音乐不仅有器乐，而且有歌唱和朗诵，可以说是歌剧的前身（当时歌剧中有芭蕾舞，一直延续到19世纪末，影响了意大利歌剧）。19世纪中叶以后，柴可夫斯基的《天鹅湖》、斯特拉文斯基的《火烈鸟》等一大批优秀的芭蕾舞音乐出现。

芭蕾舞是一种融音乐、艺术、舞蹈于一体的舞台艺术形式。三姐妹的密切合作，产生了时空一致、视听统一的艺术效果，这是芭蕾舞的独特魅力所在。

音乐在芭蕾舞中起着重要的作用。根据舞蹈剧本创作的音乐是编舞和戏剧动作的基础。因此，舞曲不仅要反映完整的意境，描绘戏剧情节的发展，而且要刻画鲜明的音乐性格，促使人物的内心世界和情感变化。而且，舞曲往往具有鲜明的节奏感，抒情的色彩适合舞曲旋律，并体现出作品的时代性、地域性风格。音乐被称为“舞蹈的灵魂”。难怪当我们听舞曲时，脑海中会浮现出画面。

舞台艺术，包括舞台布景、服装、化妆等，通过现实感、巧妙的色彩和光线变化以及特效，营造出舞剧特定情境所需要的艺术氛围，增强了舞剧的感染力。舞台艺术的重要性可以从以下几个方面得到证明：即使舞台上充满了白光或黑暗，人们也能体会到一定的意义。

舞剧，顾名思义，是最重要的表现手段。舞剧的一个突出特点是演员在舞台上不讲不唱，完全依靠身体的表现力来完成所有的戏剧要求——主题的阐述、矛盾冲突的表现、人物的塑造。训练有素的舞蹈演员通过优美的舞蹈、和谐的节奏和高超的“说”、“唱”技巧，表达人物的内心感受和情感。需要指出的是，作为艺术创作的体现，芭蕾舞演员的素质和两次创作的能力起着决定性的作用，但在作品诞生的整个过程中，编导的才华和技巧从根本上影响着作品的质量。当我们为一部舞剧的成功演出鼓掌时，自然也包括导演的肯定和赞扬。

芭蕾舞的舞台表演由哑剧和舞蹈组成。舞蹈部分可分为直接促进情节发展的舞蹈和情感单一、表演性强的舞蹈两类。

芭蕾二重唱的概念不仅是“两个人跳舞”，而且是一种特定的表演形式。在古典舞剧中，男女二重唱往往被视为整个舞剧的核心部分，占有重要的地位。二重唱通常分三步进行：1。柔板——演员对女演员的支持与扶持相结合，连贯地展示各种舞蹈，完成旋转、地上、空中跳跃等一系列技巧。变奏曲-由男演员和女演员分别表演的独舞。结束-独舞的结合逐渐由男、女演员加速到快板舞，呈现出舞蹈的高潮。二重唱舞蹈（无论是慢板还是快板）要求男女双方和谐、默契、融为一体，而变奏通常涉及复杂而困难的技巧。因此，二重唱是对芭蕾舞欣赏技巧的综合测试。我们经常在舞会上看到“天鹅湖”、“唐吉祖德”、“海人”、“睡美人”等古典芭蕾舞作为舞蹈的精髓来表演，演员们要根据表演的原始心情尽量展示自己的技巧（如连续三十二圈的单脚旋转），收到了令人兴奋的舞台效果。

芭蕾舞也有多种舞蹈形式，即具有不同国家和民族特点的民间舞蹈，统称为“性格舞”。如西班牙舞蹈、玛祖卡舞（波兰民间舞蹈）、沙尔达什舞（匈牙利民间舞蹈）、中国黎族女子舞蹈、五寸剑等都属于人物舞蹈表演。它使舞剧更加丰富多彩、壮观美丽。

古典芭蕾舞中的哑剧表演是促进情节发展、引发矛盾的重要手段。它在舞剧中的作用不可能完全被舞蹈所取代，但尽可能地使哑剧舞蹈成为优秀编导的目标。当代舞剧《奥涅金》和《乡村一月》的成就令人瞩目。

芭蕾舞中常用的一些哑剧动作是很久以前创造出来的。随着时间的推移，观众已经习惯于从这些固定的动作中理解它的含义。比如，演员用手按左胸表示“爱”，用手转头表示“跳舞”，用一只手从对面脸颊到下巴的背部抚摸表示“美丽的脸”，用手或一只手表示“询问”，用手在身前交叉表示“死亡”等。

哑剧穿插在舞段之间，各种形式和风格的舞蹈按照戏剧的过程交织在一起，既避免了观众视觉的单调，又给演员以高速旋转的体力，这是每个导演在创作时都认真考虑的一个因素设计。戏剧的一般规律，如开、接、合，在芭蕾舞创作中也起着重要的作用。当我们看芭蕾舞时，我们有清晰的情节线索可以跟随。然而，当需要主人公抒发情感时，当需要营造某种戏剧氛围时，当需要展现芭蕾的美丽画面时，传统的限时观念往往被打破，眨眼的时间延长了很长一段时间，或是非关键的说明性时期一次又一次地过去——时间的不均匀分配和权力的使用，所有这些都在艺术中得到强调——芭蕾舞的节奏在其艺术结构中得到了更多的强调。